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 Asunto: Cine oriental
NotaPublicado: Lun Ago 18, 2008 5:23 pm 
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Registrado: Dom Nov 06, 2005 11:34 pm
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Abro este otro post para comentar pelis orientales que no sean de terror.
A mí me encanta lo que es todo el cine asiático, tanto de terror como de otros estilos, aquí pongo un listado de todas las pelis que yo me he comprado:

-DOLLS
-AZUMI 1
-AZUMI 2
-BATTLE ROYALE 1
-BATTLE ROYALE 2
-LA FOTO DEL COMPROMISO
-LA BALADA DE NARAYAMA
-EL MAR QUE NOS MIRA
-EL CASTILLO AMBULANTE
-EL VIAJE DE CHIHIRO
-NADIE SABE
-MEMORIAS DE UNA GEISHA
-LOST IN TRASLATION
-WASABI
-HIERRO 3
-EL ARCO
-LA ISLA
-OTOÑO, PRIMAVERA, VERANO, OTOÑO...
-HERO
-LA CASA DE LAS DAGAS VOLADORAS
-DESEANDO AMAR
-EL CAMINO A CASA
-EL REGRESO A CASA/ DE VUELTA AL HOGAR (no recuerdo bien el titulo)
-EL OLOR DE LA PAPAYA VERDE
-PABELLÓN DE MUJERES
-EL AMERICANO IMPASIBLE
-INDOCHINA
-EL AMANTE
-BALZAC Y LA JOVEN COSTURERA CHINA
-TIGRE Y DRAGON
-EL DRAGON BLANCO

Y QUE HAYA VISTO (algunas las compraré y otras no):

-SAMARITAN GIRL
-OLD BOY
-ONG BACK
-YAMAKASI
-DEAD OR ALIVE
-EL TREN DE ZHOU YU
-2046
-ZU WARRIORS
-EL VERANO DE KIKUJIRO
-DUMPLINGS

:wink:

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NotaPublicado: Mar Ago 19, 2008 9:43 am 
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La Adler
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Registrado: Vie Ene 13, 2006 9:19 pm
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Ubicación: Ciudad de las bajas pasiones
Algunas de esas pelis tienen su propio hilo.

Por favor, evitemos duplicar comentarios.

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"Eres lo que está dentro de mí y está lejano." Pablo Neruda


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NotaPublicado: Mar Ago 19, 2008 10:00 am 
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Registrado: Dom Nov 06, 2005 11:34 pm
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Ubicación: Nihonland ♥
Ok Irene, no lo sabía :oops: ...
Igualmente he abierto el hilo para hablar de pelis orientales en general, no de alguna en concreto, pero si ves necesario borrar este post, adelante :wink:

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NotaPublicado: Mar Ago 19, 2008 10:01 am 
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La Adler
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Registrado: Vie Ene 13, 2006 9:19 pm
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Ubicación: Ciudad de las bajas pasiones
tokiota escribió:
Ok Irene, no lo sabía :oops: ...
Igualmente he abierto el hilo para hablar de pelis orientales en general, no de alguna en concreto, pero si ves necesario borrar este post, adelante :wink:


No creo que sea necesario borrarlo, pero intentad que los comentarios de las pelis que ya tienen hilos abiertos vayan a esos hilos.

:wink:

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NotaPublicado: Dom Jul 26, 2009 11:26 pm 
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Registrado: Mié Ago 06, 2008 10:47 pm
Mensajes: 1195
Tokiota:
De los realizadores mas importantes del cine oriental
Que he visto en tu lista destaco a :
Wong Kar Wai (China) con “2046” que supera y resume su
cine previo (Happy together,Con animo de amar) con una fotografia y musica increibles.
Park Chan-Wook ( Corea) la mejor es Old boy ,ultima parte de su trilogía junto
a Lady Vengance y Mr,Vengance, aunque las tres valen la pena.
Kim Ki-Duk (Corea) con “Primavera,Otoño,Invierno..” me agrado mucho aunque
me quedan pendientes muchas (El arco, El tiempo,..) y es algo lentooo para algunos.
Solo mencionaste cine Chino y Coreano pero nos queda Japon del cual
nombran mucho a Takeshi Gitano ( Zatoichi,Sonatina ) que aun tengo pendientes
pero he escuchado cosas malas de el.No sé si verlo.
Por ultimo ,diría que “Lost in translation” no es una película oriental ,es
más un pastiche de Hollywood tratándonos de vender budismo descafeinado (como otras más) y
me pareció infumable,mucho mejor es "Pucca".
El resto de las mencionadas ,algunas he visto pero no las destaco mucho.
Saludos.


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NotaPublicado: Lun Jul 27, 2009 2:26 am 
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Registrado: Lun Nov 17, 2008 2:48 am
Mensajes: 863
Ubicación: Madrid
-AZUMI 1 - Entretenidilla sin mas.
-BATTLE ROYALE 1 - A casi todo el mundo le encanta, a mi siempre me ha parecido una autentica estupidez de principio a fin.
-LA BALADA DE NARAYAMA - Mortalmente aburrida.
-EL VIAJE DE CHIHIRO - Preciosa.
-NADIE SABE - Absolutamente magistral.
-LOST IN TRASLATION - Muy buena.
-HIERRO 3 - Absurda y pretenciosa, pero tolerable.
-OTOÑO, PRIMAVERA, VERANO, OTOÑO... - Una de las pelis mas bonitas jamas creadas.
-HERO - Otra que todo el mundo ama y yo no soporto. Un coñazo inaguantable.
-DESEANDO AMAR - Me aburrio soberanamente.
-EL CAMINO A CASA - Absolutamente maravillosa.
-TIGRE Y DRAGON - Nunca me ha gustado nada.
-OLD BOY - Demasiado larga pero muy interesante.
-DEAD OR ALIVE - Solo he visto la segunda parte y es de lejos una de las bazofias mas infectas que jamas han mancillado mis retinas.


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NotaPublicado: Mar Jul 28, 2009 3:22 am 
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Registrado: Vie Feb 06, 2009 8:44 pm
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Los 7 samurais
Utamaro y sus 5 mujeres
El Trono de Sangre
Los Amantes Crucificados
Kagemusha
La Calle de la Vergüenza
Zatoichi
La espada oculta
Historia del último crisantemo
Lone Wolf & Cub (Lobo solitario).(8 pelis)
El Intendente Sansho
El ocaso del samurai
Los músicos de Gion
Love and honor
Samurai I,II Y III
Cuentos de la luna pálida de agosto
La Mujer Crucificada
47 Ronin
La emperatriz Yang-Kwei-Fei
La novia del cabello blanco

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Si no se puede bailar no es mi revolución” Emma Goldman.


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NotaPublicado: Mié Jul 29, 2009 12:24 pm 
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Registrado: Mié Ago 27, 2008 12:40 pm
Mensajes: 5711
Ubicación: Al sur de la frontera, al oeste del sol
Acabo de encontrar un artículo sobre cine asiático que me ha gustado mucho y me ha parecido muy completo:

Adrizl escribió:

CINE ASIÁTICO

El cine asiático hace referencia a las industrias cinematográficas, y a las películas producidas en el continente asiático. También se le conoce como cine oriental. Sin embargo más comúnmente, se utiliza para referirse al cine del Este, Sudeste y Asia meridional. En Asia Occidental, el cine es a veces clasificado como parte del cine de Oriente Medio en lugar de cine de Asia, Irán o Afganistán, aunque a menudo son incluidos. Asia central también se agrupan por lo general con el Oriente Medio. El Norte de Asia está dominado por la Rusia de Siberia, y se considera dentro del cine europeo. Por lo tanto, podríamos clasificarlo según sus distintas zonas:

• El cine de Asia oriental se caracteriza por el cine de Japón, China, Hong Kong, Taiwán y Corea del Sur.
• El cine del Sudeste Asiático se caracteriza por el cine de Camboya, Tailandia y otros países del sudeste asiático.
• El cine de Asia central y el Cáucaso meridional se caracteriza por el cine iraní y Tayikistán.
• En Asia Occidental, los referentes son el cine turco y el cine israelí.
• Por último, el cine del sur de Asia se caracteriza por el cine de la India, incluido el aclamado cine Bengalí y la popular industria de Bollywood, la mayor del mundo en términos de entradas vendidas y películas producidas.

PREHISTORIA DEL CINE ASIÁTICO

Se ha encontrado en Shahr-i Sokhta (Irán) un cuenco de barro con unos 5.200 años de antigüedad. En él, aparecen cinco imágenes de una cabra pintada a lo largo de los lados, y se cree que puede ser un ejemplo de principios de animación.
Mo-Ti, un filósofo chino alrededor de 500 a.C., ponderó la fenomenología de la luz invertida del mundo exterior transmitir a través de un pequeño agujero en la pared opuesta, en un cuarto oscuro. Los juegos de sombra aparecieron por primera vez durante la dinastía Han y, posteriormente, ganó popularidad en toda Asia. Alrededor del 180 d.C., Huan Ting (丁缓) creó un elemental Zoótropo en China.

Cuenco de barro

En 1021, Alhazen, un científico iraquí, que experimentaba con el mismo principio óptico descrito por Mo-Ti, y apuntaba los resultados en su libro de Óptica, realizó la primera descripción clara y análisis correcto de la cámara oscura. Su lámpara experimento, donde diferentes fuentes de luz se disponen a través de una gran superficie, fue el primer proyecto con éxito que mostraba una imagen en una pantalla al aire libre, mientras que la cámara oscura estaba en el interior.

EL CINE MUDO EN ASIA

El primer cortometraje en Asia se produjo durante la década de 1890. Los primeros cortometrajes fueron en Japón: Hornee Jizo (Jizo el Spook) y Shinin no Sosei (resurrección de un cadáver), ambas de 1898. De ese mismo año data el primer cortometraje indio, La Flor de Persia, dirigido por Hiralal.
El primer largometraje de Asia fue “la historia de vida de Tasuke Shiobara” (1912) hecha en Japón. Poco después se realizó el primero en la india, Raja Harishchandra (1913), dirigido por Dhundiraj Govind Phalke. En la siguiente década, la producción de cine indio tuvo un promedio de 27 películas por año.
En la década de 1920, el recién nacido cine soviético fue el más radicalmente innovador. Allí, el arte de la edición, sobre todo, surgió hacia adelante, más allá de su papel en la promoción de una historia. Sergei Eisenstein perfecciona la técnica del llamado montaje dialéctico o intelectual, que se esforzó por hacer no lineales.
A diferencia del cine europeo, las industrias de cine de Asia no eran dominadas por distribuidores de películas americanas, y se desarrolló en un relativo aislamiento del cine de Hollywood. Mientras, las películas de Hollywood se proyectaban en los países asiáticos, aunque no tenían el mismo éxito que las películas realizadas en Asia. Así, varios géneros y estilos distintivos son desarrollados por dicha razón.

NACIMIENTO DEL SONIDO

El sonido entró en el cine asiático a partir de la década de los 30. Se hicieron algunos cortos japoneses con sonido en los años 1920 y 1930, pero el primer largometraje fue Fujiwara Yoshie no furusato (1930) de Kenji Mizoguchi. Sin embargo, con el aumento de la censura, la tendencia de películas de izquierda de directores como Daisuke Ito, empezaron a sufrir ataques. En 1935, Yasujiro Ozu dirige Un albergue en Tokyo, considerada precursora del neorrealismo.
En India, la primera película hablada es obra de Ardeshir Irani: Alam Ara, estrenada el 14 de Marzo de 1931. Conforme la tecnología del sonido avanzaba durante la década de 1930, se produjo el nacimiento de la música en el cine indio con musicales como Indra Sabha(film que cuenta con 71 canciones (1932)) y Devi Devayani(1931), que marcan el comienzo de la canción y la danza en la India.
Los estudios surgieron en las principales ciudades como Chennai, Kolkata y Bombay, y vieron como el cine se convertía en arte alrededor de 1935, ejemplificado por el éxito de Devdas, que logró cautivar al público a nivel nacional.

LA EDAD DE ORO

Después del final de segunda Guerra Mundial a mediados de los años 1940, se produce un período a partir de finales de los años 1940 hasta los años 1960 considerados como La Edad de Oro de cine asiático. Muchas de las películas asiáticas más aclamadas por la crítica de todos los tiempos fueron producidas durante este periodo, incluyendo “Primavera tardía” (1949) y “Cuentos de Tokyo” (1953) de Yasujiro Ozu; “Rashomon” (1950), “Vivir (Ikiru)” (1952), “Los Siete Samuráis” (1954) y “Trono de Sangre” (1957) de Akira Kurosawa; “Vida de Oharu, mujer galante” (1952), “Cuentos de la luna pálida de agosto”(1953) y “El intendente Sansho” (1954) de Kenji Mizoguchi; la trilogía de Apu (1955-1959), “El salón de música” (1958) y “Charulata” (1964) de Satyajit Ray; “Pyasaa” (1957) y “Kaagaz Ke Phool” (1959) de Guru Dutt; “Primavera en una pequeña ciudad” (1948) de Fei Mu; “Awaara” (1951) de Raj Kapoor; “Nubes flotantes” (1955) de Mikio Naruse y “Subarnarekha” (1965) de Ritwik Ghatak.
Estas películas han tenido una gran influencia sobre el cine mundial, habiendo remakes de muchas de ellas, como el más famoso de Los siete magníficos de John Sturges a partir de Los siete samuráis de Kurosawa, o “Cuatro confesiones” de Martin Ritt basada en Rashomon. Destacar aunque no sea un remake tan descarado como estos dos, a “La fortaleza escondida” película que el mismo George Lucas reconoce que fue su inspiración para la saga de Star Wars.
Durante este periodo, India ya llegaba a las 200 películas anuales, algunas de ellas de muchísima calidad como la trilogía de Apu, o “El río” de Jean Renoir. El resto de cinematografías en esa época post-guerra empezaban a surgir, pero tanto la calidad como el número de obras realizadas era bastante pobre, sin embargo se podrían citar directores como Fei Mu(China), Kim-Ki Young(Corea del Sur) o Gerardo de Leon (Filipinas).

CINE ASIÁTICO MODERNO

Antes de finales de los años 60 y a principios de los años 70, el cine japonés había comenzado a verse seriamente afectado por el derrumbamiento del sistema de estudio. Debido a esta caída del cine japonés, el cine de Hong Kong entró en un renacimiento espectacular, en gran parte como un efecto secundario del desarrollo de la wuxia: mezcla de acción, historia, y preocupaciones (e intereses) espirituales. Varias de las principales estrellas surgieron en Hong Kong en dicho momento, siendo quizás el más conocido, King Hu, cuyo “Come Drink with me” (1966), resultó una influencia clave sobre muchos acontecimientos subsecuentes cinematográficos de Hong Kong. Poco después Bruce Lee(nacido en San Francisco) se haría una estrella de fama mundial.
A partir de 1969, se produce la nueva ola de cine iraní, conllevando un gran crecimiento de dicho cine, obteniendo su reconocimiento internacional en los 80 y 90. Los directores más notables de la Nueva Ola iraní son Abbas Kiarostami, Jafar Panahi, Majid Majidi, Bahram Beizai, Darío Mehrjui, Mohsen Makhmalbaf, Masoud Kimiay, Sohrab Shahid-Saless, Parviz Kimiavi, Samira Makhmalbaf, Amir Naderi, y Abolfazl Jalili.
En el cine de India, los años 1970 vieron una disminución en su cine típico de la edad de oro, mientras que por el contrario se produjo la subida del cine comercial (especialmente el género conocido como Masala, propio de Bollywood), tales como las películas “Deewaar “(1975) "el Curry –Western” “Sholay” (1975), que solidificó la posición de Amitabh Bachchan como un gran actor de peso. El cine comercial siguió creciendo a lo largo de los años 1980 y los años 1990 con el lanzamiento de películas como “Qayamat Se Qayamat Tak” (1988), “Tezaab” (1988), “Maine Pyar Kiya” (1989), “Baazigar” (1993), “Darr” (1993) y “Dilwale Dulhaniya Le Jayenge“ (1995).
Durante los años 80, el cine japonés -ayudado por la subida del cine independiente y el éxito espectacular de anime - comenzó a tener su reaparición internacional. Simultáneamente, una nueva generación post-Mao de directores chinos comenzó a ganarse la atención global. Otro grupo de cineastas, centrados alrededor de Eduardo Yang y Hou Hsiao-hsien lanzó lo que se ha hecho conocer como " la Nueva Ola taiwanesa ".

EL CINE ASIÁTICO EN LA ACTUALIDAD

China

Las películas chinas han disfrutado de un buen éxito de taquilla en el extranjero. Las películas como la “Adiós mi concubina”, “2046”, “Hero”, “Suzhou River”, “El camino a casa” y “La casa de las dagas voladoras” han sido aclamadas por la crítica en el mundo entero. Los Estudios Hengdian Mundiales pueden ser vistos como el "Hollywood chino", con un área total de hasta 3.300.000 metros cuadrados y 13 bases de lanzamientos, incluyendo una copia idéntica a escala 1:1 de la Ciudad Prohibida.

En el año 2000, la producción multinacional “Tigre y Dragón”, alcanzó el éxito masivo en la taquilla Occidental a pesar de recortar detalles cinéfilos chinos para hacerla un poco más al gusto occidental. Sin embargo, esto proporcionó una introducción al cine chino (y sobre todo el género Wuxia) para muchos y aumentó la popularidad de muchas películas chinas que de otra manera podrían haber sido desconocidas para el público occidental.
En 2002, “Hero” fue hecha como un segundo intento de producir una película china con atractivo internacional tras “Tigre y Dragón”. El equipo y el reparto ofrecía a muchos de los actores chinos más famosos, de los cuales, la mayoría se conocían en cierta medida en el Oeste, incluyendo Jet Li, Zhang Ziyi, Maggie Cheung, Tony Leung Chiu-Wai, y dirigidos por Zhang Yimou. La película fue un gran éxito en la mayor parte de Asia y encabezó la taquilla estadounidense durante dos semanas, produciendo suficientes ganancias sólo en EE UU para cubrir los costes de producción.

Los éxitos de “Tigre y Dragón” y “Hero” difuminaron lo que puede llamarse la frontera entre el cine chino y un cine más internacional basado "en el lenguaje cinematográfico chino". “Tigre y Dragón”, por ejemplo, fue dirigido por un director taiwanés (Ang Lee), pero se desarrolla tanto en China como Hong Kong y Taiwán, además de ser una película co-producida por varios países, además de los 3 mencionados. Esta combinación de equipo, recursos, y la experiencia de tres regiones (China, Hong Kong, y Taiwán) parece implicar que el cine de lengua china se mueve hacia una mayor internacionalidad que intenta competir con las mejores películas de Hollywood. Ejemplos de esto serían “La casa de las dagas voladoras” (2004), “La promesa” (2006) y “The Banquet” (2006). En la actualidad, el mayor éxito de China se centra en la superproducción de John Woo “The Battle of Red Cliff” (2008).

Hong Kong

Los esfuerzos realizados por cineastas locales reorientando sus productos han tenido resultados desiguales en general. Estos incluyen técnicas visuales brillantes, incluyendo muchas imágenes digitales; empleo de las técnicas de comercio de Hollywood; y gran confianza en dar papeles a estrellas musicales de adolescentes “Cantopop”. Los éxitos de ciclos de género a finales de los años 90 y a principios de los años 2000 han incluido: estilo americano, películas de acción con alta tecnología, películas de “las Tríadas”, comedias románticas yuppies, y películas de miedo sobrenaturales (inspiradas en las japonesas).
Con la llegada del nuevo siglo aparecen razones para el optimismo. Milkyway Imagen, fundada por los cineastas Johnnie To y Wai Ka-Fai a mediados de los 90, han tenido un éxito crítico considerable y comercial, sobre todo con películas de acción como “The Mission” (1999) y “Running on Karma” (2003). Un ejemplo aún más exitoso del género fue la trilogía de “Infernal Affairs” (2002-2003), películas de intrigas policiales co-dirigidas por Wai Keung Lau y Alan Mak (la ganadora del Oscar, “Infiltrados”, se basa en esta película).

El cómico Stephen Chow, la estrella de la pantalla más popular de los años 90, dirigió y protagonizó “Shaolin Soccer” (2001) y “Kung Fu Sion” (2004); estos usaron efectos digitales especiales para impulsar su humor característico a nuevas cotas surrealistas y se convirtieron en las dos películas que más recaudaron, recogiendo numerosos premios en Hong Kong así como internacionalmente. Las películas de Johnnie To “Election” y “Election 2” también fueron grandes éxitos de taquilla de Hong Kong.

Taiwán

La Nueva Ola gradualmente cedió el paso a la que de manera informal podría llamarse la Segunda Nueva Ola, que es ligeramente menos seria y más dócil con la población, aunque igual de comprometido al retratar la perspectiva taiwanesa.

Por ejemplo, “Vive L'Amour” de Tsai Ming-liang, que ganó el León de Oro en el Festival de Cine de Venecia en 1994, retrata el aislamiento, la desesperación y el amor de los adolescentes que viven en los apartamentos de lujo de Taipei. “The Peach Blossom Land” (1992) de Stan Lai, es una tragicomedia en la que participan dos grupos de actores ensayando diferentes obras en el mismo escenario. La magistral yuxtaposición y la profundidad de la obra, de significados políticos y psicológicos, le ayudaron a ganarse el reconocimiento de los festivales de Tokio y Berlín.

Ang Lee es quizás el director más conocido de la Segunda Nueva Ola. Sus primeras películas “Manos que empujan” (1992), “El banquete de boda” (1993) y “Comer, beber, amar” (1994) se centran en los conflictos generacionales y culturales que enfrentan tantas familias modernas. “Tigre y Dragón” (2000) revivió el género wuxia con bastante éxito, aunque no en la tradición de la Nueva Ola o la Segunda Nueva Ola, se trata de un éxito comercial que colocó a las películas asiáticas en el panorama internacional.

Japón

Aparece una clara filmografía marcada por los directores más que por actores:

Hayao Miyazaki adapta su serie de manga Nausicaä del Valle del Viento en una película del mismo nombre en 1984. A partir de ahí, su camino está repleto de obras maestras de la animación: “El castillo en el cielo” (1986), “Mi vecino Totoro” (1988), “Porco Rosso” (1992), “La princesa Mononoke” (1997), “El viaje de Chihiro” (2001), “El castillo ambulante” (2004) o la más reciente “Ponyo en el acantilado del mar” (2008).

Katsuhiro Otomo siguió los pasos de Miyazaki y adaptó su obra "Akira" en 1988. A partir de estos dos grandes éxitos, cada vez se adaptan más series y mangas a películas, casi siempre con mucho éxito de público.

Mamoru Oshii lanzó su “Angel's Egg” en 1983, su primera película con gran aceptación entre el público japonés. Luego “Ghost in the Shell” (1995) se convirtió en uno de los primeros largometrajes de anime que recibió una gran atención en el mercado internacional, tanto en crítica como en público.

Shohei Imamura ganó la Palma de Oro en el Festival de Cine de Cannes por “La balada de Narayama” (1983), luego rodó “Lluvia negra” (1989) y a continuación ganó de nuevo la palma de oro (compartida con Abbas Kiarostami) por la película “La anguila” (1996), uniéndose de esta forma al club formado por Alf Sjöberg, Francis Ford Coppola y Bille August cada uno con dos palmas de oro.

Akira Kurosawa, se encontraba ya en el final de su carrera, pero aún así dirigió “Kagemusha” (1980) y “Ran” (1985), dos grandes películas dentro de su filmografía.

Takeshi Kitano surge como director a principios de los 90, especializaco en dramas acerca de mafiosos o de la policía, así como con un humor muy inexpresivo, casi estático. Además de dirigir, también actúa en la mayor parte de sus películas. A Kitano tanbién se le conoce por el programa televisivo de gran éxito Takeshi's Castle (Humor amarillo). Entre sus obras se pueden destacar a “Sonatine” (1993), “Kids Return” (1996), “Hana-Bi” (1997), la cual le hace ganador del León de oro de Venecia, "Hana-Bi" (Flores de fuego)" (1997), o "Zatoichi" (2003).

Takashi Miike inicia una prolífera carrera a comienzos de los 90, llegando a hacer 50 películas en una década, con títulos como “Audition” (1999), “Dead or Alive” (1999), “Ichi the Killer” (2001) o "Llamada perdida" (2003).

Hirokazu Koreeda (ex-documentalista) inicia su carrera con “Maborosi”, y que con el paso del tiempo, será muy exitosa, con títulos como “After Life” (1998), “Nadie Sabe” (2004) o la reciente “Still Walking” (2008).

Satoshi Kon, director de la premiada obra de suspense psicológico “Perfect Blue” (1998), gran éxito además en Estados Unidos, como en el resto del mundo. Sus siguientes obras: “Millennium Actress” (2001), “Tokyo Godfathers” (2003), la serie “Paranoia Agent” (2004) y “Paprika, detective de los sueños” (2006), siguen teniendo la gran acogida entre crítica y público, haciendo de Satoshi Kon uno de los directores de animación, más importantes del mundo.

Hay que destacar el nacimiento a finales de los 90, de las J-Horror, a partir de “Ringu”, la cuál como la mayoría, luego fue "remakeada" en el cine occidental. La lista de películas pertenecientes a este sub-genero es relativamente larga, aunque algunos de sus títulos más destacados pueden ser Dark Water, The Grudge (La maldición) o One Missed Call (Llamada perdida).

Actualmente, el anime representa el 60% del total de la producción japonesa, cosa normal teniendo en cuenta que gracias a él, Japón está viviendo su segunda edad de oro, especialmente en las dos últimas décadas, tanto dentro de Japón, como en el extranjero.

Sin olvidar, que en la edición de 2009 de los Oscars, una excelente película japonesa se hizo con el galardón que acredita a la mejor película de habla no inglesa: "Departures", lo cual no hace más que confirmar el resurgir del cine japonés, recordando aunque en la distancia, a los inicios de los 50 cuando ganó 3 veces dicho premio en 4 años (1951, 1953 y 1954).

Corea del Sur

Desde finales de la decada de 1990, hasta hace poco, Corea del Sur ha sido uno de los pocos países donde las producciones de Hollywood no han gozado de una cuota dominante en el mercado nacional. En febrero de 2006, los trabajadores organizaron reuniones masivas para protestar por un recorte de cuotas resultantes de un acuerdo con los Estados Unidos. Hoy, de acuerdo con Kim Hyun, "La industriana cinematográfica surcoreana, al igual que la de la mayoría de los países, es totalmente eclipsada por Hollywood.

La película “Shiri” (1999) de Corea del Sur acerca de un espía que prepara un golpe en Seúl fue la primera en la historia de Corea en vender más de 2 millones de entradas sólo en Seúl. Esto ayudó a Shiri a superar éxitos de taquilla como Titanic, The Matrix y Star Wars. El éxito de Shiri motivó la realización de más películas coreanas con grandes presupuestos.

En 2000 la película JSA (Joint-Security Area) fue un gran éxito e incluso superó el valor de referencia fijado por Shiri. Un año más tarde la comedia romántica “My Sassy Girl” recaudó más que los dos grandes éxitos del momento: El Señor de los Anillos y Harry Potter. Desde 2004 nuevas películas siguen superando más viejas liberaciones, y muchas producciones coreanas son más populares que películas de Hollywood. Tanto “Silmido” como “Lazos de guerra” fueron vistas por más de 10 millones de personas por película, siendo esto una cuarta parte de la población de Corea del Sur. Silmido es una película basada en una historia real acerca de un secreto grupo de trabajo. Mientras, Lazos de Guerra es una película sobre la guerra de Corea dirigida por el director de Shiri (Je-gyu Kang).

Este éxito atrajo la atención de Hollywood. Películas como Shiri están distribuidas en los Estados Unidos. En 2001, incluso Miramax compró los derechos para un remake americano de la exitosa película de comedia de acción coreano, “Mi mujer es una Gangster” (2001). Recientemente, el cine popular coreano como “Il Mare” (2000), “Old-boy” (2003), “My Sassy Girl”, y “JSA” también han sido comprados por Hollywood para hacer remakes.

Los derechos de la película de terror “Dos hermanas” (2003) han sido comprados por Dreamworks por 2 millones de dólares, para tener la posibilidad de hacer un remake, superando así el millón de dólares pagados por Ringu.
Hasta el momento, la película coreana que más ha recaudado, es “The Host” (2006), dirigida por Boon Joon-Ho, seguida de cerca por “The King and the Clown” (2005) de Jun-Ik Lee.

En el festival BAFF celebrado este año, una película surcoreana (Breathless) dirigida, escrita y protagonizada por la misma persona (Yang Ik-june) se llevó el premio a la mejor película.

Mongolia

Las primeras obras mongoles fueron hechas con la ayuda de otros paises como Japón, Bélgica o Alemania entre otros.

Así, por ejemplo, la película “Genghis Khan” fue la primera co-producción japonesa-mongol, mientras que “State of Dogs” (1998) fue escrita y dirigida conjuntamente por el belga Peter Brosens y el mongol Dorjkhandyn Turmunkh.

Más recientemente, la directora Byambasuren Davaa ha tenido éxito internacional con las coproducciones alemana-mongola “La historia del camello que llora” (2003, nominado para los oscars a mejor documental en 2004) y “El perro mongol” (2005).

India

Durante finales de la década de los 80 y principios de los 90, el péndulo osciló hacia las películas románticas y musicales con el éxito de películas como “Qayamat Se Qayamat Tak” (1988), “Maine Pyar Kiya” (1989), “Hum Aapke Hain Kaun” (1994) y “Dilwale Dulhania Le Jayenge” (1995), haciendo estrellas de una nueva generación de actores (como Aamir Khan, Salman Khan y Shahrukh Khan) y actrices (como Sridevi, Madhuri Dixit, Juhi Chawla y Kajol). En esta época, las películas de acción y comedias también tuvieron éxito, con actores como Govinda y Akshay Kumar y actrices como Raveena Tandon y Karisma.

Además, esta década marcó la entrada de nuevos artistas en el cine y películas independientes, algunas de las cuales logró el exito, como por ejemplo “Satya” (1998), dirigida por Ram Gopal Varma y escrita por Anurag Kashyap. La crítica y el éxito comercial de Satya condujo a la aparición de un género negro conocida como Mumbai negro, películas urbanas que reflejan los problemas sociales en la ciudad de Bombay. Esto condujo a un resurgimiento del cine paralelo al final de la década. Actores frecuentes en este tipo de películas son Nana Patekar, Manoj Bajpai, Manisha Koirala, Tabu y Urmila Matondkar, cuyas actuaciones suelen ser aclamadas por la crítica.
En el año 2000 se registró un crecimiento en la popularidad de Bollywood en todo el mundo. Esto llevó a la nación del cine a nuevos niveles en términos de calidad, innovadoras historias, así como nuevos avances técnicos en áreas tales como los efectos especiales, animación, etc.

Algunos de las más grandes casas de producción, entre ellos, Yash Raj Films y Dharma Productions fueron los productores de este cine nuevo y moderno. La apertura de los mercados, más emisiones de Bollywood en el extranjero y la explosión de multicines en las grandes ciudades, ha llevado a más éxitos de taquilla en la India y en el extranjero, como “Lagaan, érase una vez en la India” (2001) , “Devdas” (2002), “Koi ... Mil Gaya” (2003), “Kal Ho Naa Ho” (2003), “Veer-Zaara” (2004), “Rang De Basanti” (2006), “Lage Raho Munnabhai” (2006), “Krrish” (2006), “Dhoom 2” (2006), “Om Shanti Om” ( 2007), “Taare Zameen Par” (2007), y “Ghajini” (2008), ofreciendo una nueva generación de actores populares (Hrithik Roshan, Abhishek Bachchan) y actrices (Aishwarya Rai, Preity Zinta, Rani Mukerji y Deepika Padukone), y mantenimiento la popularidad de los actores de la década anterior. Entre las principales películas, Lagaan ganó el Premio del Público en el Festival Internacional de Cine de Locarno y fue nominada a la Mejor Película en Lengua Extranjera en la 74 Premios de la Academia (2001), mientras Devdas y Rang De Basanti fueron nominados para el premio BAFTA a la Mejor Película en Lengua Extranjera.

La industria del cine hindi ha preferido las películas que atraen a todos los segmentos de la audiencia, y se ha resistido a hacer películas que se dirigen a reducir las audiencias. Se creía que con el objetivo de un amplio espectro de público se maximizarían los ingresos de taquilla.

Sri Lanka

Uno de los más importantes realizadores de cine de Sri Lanka, Prasanna Vithanage dirigió su primer largometraje “Sisila Giniganee” en 1991 y su segundo “Anantha Rathriya” en 1996. Esta última participa en varios festivales internacionales obteniendo algunos premios. Vithanage volvió a dirigir dos años más tarde el drama Pawuru Walalu protagonizada por la ex estrella Nita Fernando después de una larga pausa. También fue elogiada por la crítica. Su última producción de la década fue Purahanda Kaluwara que trata la forma en que la guerra civil de Sri Lanka afecta a las familias de los soldados. Con Joe Abeywickrema en el papel principal, la película es considerada el mejor trabajo de Vithanage.

El director Vimukthi Jayasundara se convirtió en la primera de Sri Lanka en ganar el prestigioso premio Cámara de Oro a la mejor ópera prima mundial en el Festival de Cine de Cannes por su película “La tierra abandonada” en 2005.

Las películas del controvertido cineasta Asoka Handagama son consideradas por muchos nombres prestigiosos en el mundo del cine de Sri Lanka, como las mejores películas que retratan los conflictos que actualmente asolan el país. Hasta el momento ha dirigido cinco películas: “Sanda Dadayama”, “Chanda Kinnarie”, “Me sandai mago”, “Tani tatuwen piyabanna”, “Aksharaya”. Estas películas ganaron premios en muchos festivales internacionales de cine, pero Asoka se ha tenido que enfrentar a muchos problemas debido a la censura de su país, y como muestra, la más reciente de sus películas “Aksharaya" fue prohibida por el gobierno de Sri Lanka.

Tailandia

La cinematografía de Tailandia ha alcanzado una gran repercusión mundial en los últimos años. Hay títulos independientes imprescindibles como “Tropical Malady” (Ganadora del Premio del Jurado en Cannes en 2004) o “Las lágrimas del tigre negro”; así como exitosos filmes de género como “Shutter”(2004), u “Ong-bak” (2003), estrenadas en nuestro país. Las películas tailandesas se dividen entre el cine más comercial, de gustos localistas, y el cine intimista, independiente e interesante surgido de la visión de, quizás, los directores jóvenes con mayor proyección del cine mundial.
Pen-Ek Ratanaruang es quizás el director que mejor ha sabido ubicarse en la búsqueda de un estilo personal e intimista, luego de “Seis nueve”, mezcla de comedia y acción, intentó abocarse a aventuras menos comerciales y a generar propuestas mas underground, siendo “Vidas truncadas” (2003) su película más lograda, retratando en ella las relaciones personales entre dos almas torturadas que encuentran un lugar más allá de lo físico.

El cine de acción tailandés ha bebido mucho de la cercana Hong Kong y los mejores exponentes de esta simbiosis son los hermanos Pang, quienes con películas como “Muerte en Bangkok” (1999) trasladan toda la parafernalia del cine de acción de la ex colonia británica de los 80 y 90, y la sitúa en la suciedad de Bangkok, poniéndonos en el pellejo de un asesino sordomudo que busca venganza por la muerte de su mejor amigo en manos de un mafioso local.
Sin embargo, el mayor exponente del género del cine de acción que se realiza en Tailandia está alejado de las armas de fuego y se encuentra influenciada en la historia de las artes marciales tailandesas como lo es el Muay thai. El binomio Prachya Pinkaew en la dirección y el artista marcial Tony Jaa (un fenómeno mundial comparable a Bruce Lee y a Jackie Chan) se ha expandido a lo largo del mundo, con películas como "Ong-bak" (2003) y “Thai Dragon” (2005). Otras cintas estandartes de este género son películas como “Born to Fight” (2004) y “The Bodyguard” (2004), ambas realizadas por el coreógrafo de las escenas de acción de Ong-bak, Panna Rittikrai.

Otro género importante en el rostro comercial del cine thai es el género del terror que, siguiendo la vertiente del estilo de horror del cine japonés, ha sabido adaptarlo a sus costumbres y tradiciones, creando un estilo propio que se ve reflejado en películas como Shutter y P (La semilla del mal), otras propuestas interesantes para el público son cintas como The Art of Devil I y II, Six, The Sisters o Sars Wars, entre otras.

Vietnam

En los últimos años, la cinematografía vietnamita ha obtenido numerosos éxitos en festivales internacionales, tanto en Asia como fuera de ella. “El sonido del violín en My Lai” (1999), de Tran Van Thuy, conquistó el premio al mejor cortometraje documental en el 43 Festival de Cine Asia-Pacífico de Tailandia 1999, y cuando Vietnam realizó la edición número 44 del mismo festival, en Hanoi, durante diciembre de 2000, el largometraje de Nguyen Thanh Van —hijo del veterano director Hai Ninh—, “Doi cat”, que ya había recibido un premio especial en el Festival Internacional de Amiens, conquistó el premio a la Mejor Película.

Mientras tanto, en Europa triunfaba el director Bui Thac Chuyen en el Festival de Cannes y la directora Viet Linh obtenía el premio Rosa Camuna de Oro en el Encuentro Fílmico de Bérgamo, Italia (2003), con “Tiempo de gloria en la aldea Me Thao”, que también fue incluida en la competencia del Festival Internacional de Namur, Francia, ese mismo año. Sin embargo, en ocasiones los distribuidores extranjeros se quejan de la calidad del sonido en las producciones vietnamitas, y en muchos casos la banda sonora ha tenido que ser regrabada por completo antes de la distribución, lo que ha limitado mucho el monto de los derechos de distribución en el extranjero y ha convencido al Departamento de Cine del Ministerio de Cultura e Información de elaborar un plan de fuertes inversiones para renovar la tecnología de los estudios fílmicos.

Uno de los más exitosos filmes nacionales de estos años ha sido “El nido del cielo”, que trata sobre la corrupción que se reveló en el reciente proceso de la banda criminal de Nam Cam, en la Ciudad Ho Chi Minh. Aun así, hasta el momento ninguna cinta vietnamita ha rivalizado con el éxito de taquilla de “Muchachas de bar” (2002), que enfoca la cruda realidad del VIH/SIDA y de la vida nocturna de la Ciudad Ho Chi Minh, y que ha recaudado casi un millón de dólares en 2004.

Irán

Su cine habla de cosas sencillas: la amistad, la tolerancia, la solidaridad. “Antes Irán explotaba petróleo, alfombras y pistachos. Ahora hay que añadir películas. Irán exporta su cultura, y eso es bueno”, declaró Kiarostami, que en 1997 obtuvo la Palma de Oro en Cannes por “El sabor de la cerezas”. En 2000, una vez más en Cannes, el cine iraní fue galardonado con tres recompensas: una otorgada a la hija de Majmalbaf, Samira, de 20 años, la laureada más joven de la historia de ese festival por “La Pizarra” y la Cámara de Oro a Bahman Ghobadi por “Un tiempo para los caballos borrachos” y a Hassan Yektapanah por “Djomeh”.

En Irán existe hoy una auténtica cantera. Unos veinte cineastas de talento, como Kiarostami, Majmalbaf, Jalili, Mehrjui, Beyzai, Forozesh, Naderi, Panahi..., realizan el 15% de las sesenta películas que produce anualmente el país y aprovechan las divergencias entre los distintos organismos estatales para ganarse un espacio de libertad.

Por primera vez, una ficción, “El círculo” de Jafar Panahi, presentada en el Festival de Venecia 2000, donde ganó el León de Oro, abordó el tema de la prostitución, totalmente tabú hasta ese momento en la República Islámica. Esta película excepcional de Jafar Panahi, de 40 años (agraciado ya con la Cámara de Oro, en Cannes 1995, por “El globo blanco”), fue realizada sin presentar el guión a censura. Dicha voluntad de ir siempre más lejos existe también entre los escritores o los periodistas, algunos de los cuales fueron asesinados o encarcelados en 1999.

Con dificultades, las realizadoras han conquistado también su lugar detrás de la cámara para tratar de la condición femenina: así, Rajshan Banni-Etemad, Tahminé Milani y otras diez más se afirman en esta sociedad “macho-islamista”.

Irán ha adoptado esta imagen contemporánea que es la imagen cinematográfica. Documental o de ficción, la imagen se ha liberado y forma parte de la vida cotidiana de la población. Todo iraní siente el hechizo de la imagen.

Turquía

A pesar del incremento de calidad en las obras hechas en la década de 1970, los siempre crecientes costes de producción provocaron una caída en el número de filmes producidos. A principios de la década de 1990 tan sólo se hacían dos o tres películas al año, y la mayoría de las antiguas estrellas del período Yeşilçam buscaban fortuna en televisión. En este período podemos incluir a las aclamadas “Züğürt Ağa” (1985), y “Eşkıya” (1996), ambas con el actor Şener Şen como protagonista.

Sin embargo, el resurgir de Yesilçam no tuvo lugar hasta la aparición de la obra “Vizontele”, película escrita, dirigida y protagonizada por Yılmaz Erdoğan. El enorme éxito comercial de este filme (con más de dos millones y medio de espectadores) llamó la atención a la industria.
Desde entonces se han venido produciendo películas de mayor presupuesto, entre las que cabe destacar “El valle de los lobos” (2005), que continúa la trama de la polémica serie de televisión homónima; “Mi padre y mi hijo” (2005), o la segunda obra de Cem Yılmaz, “Hokkabaz”.

Ha habido también un aumento de obras más experimentales desde el año 2000: por ejemplo, la obra “Türev” (2005) fue rodada sin un guión preestablecido. También “Anlat Istanbul”, un conjunto de cinco mini-películas enlazadas que logró una magnífica acogida.

Las cifras de producción también se han disparado en la segunda mitad de la primera década del siglo XXI, con cuarenta películas en 2007, y cuatro indiscutibles éxitos de taquilla, mientras la industria cinematográfica volvía a ser rentable.

Israel

Con el comienzo del siglo 21, se inició una era de prosperidad en el cine israelí, tanto en documentales como en películas. La audiencia subió en grandes cantidades, la crítica comenzó a alabar a más películas y muchas películas israelíes se han ganado el respeto internacional, además de ganar premios en festivales de cine a lo largo de todo el mundo. Este éxito se atribuye a la mejora significativa de la calidad de las películas, la reducción de películas políticas, y especialmente por los fondos invertidos por el gobierno en la industria cinematográfica, y de los canales de TV. Los canales de televisión comerciales israelí se vieron obligados por sus contratos a financiar la producción de películas de cine a cambio de obtener sus derechos futuros de retransmisión.

Entre las películas más destacadas del cine actual israelí se pueden destacar: "Hatuna Meuheret" (Dover Koshashvili-2001), "Broken wings" (Nir Bergman-2002), "Caminar sobre las aguas" y "Yossi & Jagger" (Eytan Fox), "Las tragedias de Nina" (Savi Gavison-2003), "Campfire" y "Beaufort" (Joseph Cedar), "Mi tesoro" (Keren Yedaya-2004), "Turn left at the end of the world" (Avi Nesher), "La banda nos visita" (Eran Kolirin-2007), "Los limoneros" (Eran Riklis-2007) y "Vals con Bashir "(Ari Folman-2008).

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Y como el anterior artículo no lo mencionaba, aquí pongo uno sobre mi director favorito :60:

Wikipedia escribió:
WONG KAR-WAI

Wong Kar-wai (Shanghái, 17 de julio de 1958); director de cine honkonés reconocido internacionalmente por sus filmes únicos visualmente y muy estilizados.

Inicios

Nacido en Shanghai, emigró a los cinco años a Hong Kong. Proveniente de la China Continental y hablando sólo mandarín y dialecto shanghainés, pasó por un difícil periodo de adaptación al cantonés que se habla en Hong Kong, por lo que pasaría horas en los cines junto a su madre. Después de graduarse de la Universidad Politécnica de Hong Kong como diseñador gráfico en 1980, se enroló en el Curso de Capacitación en Producción organizado por la Television Broadcasts Limited (TVB) de Hong Kong y se volvió guionista de televisión a tiempo completo. A mediados de los 80s trabajó como guionista/director para The Wing Scope Co. y para la In-gear Film Production Company, las casa productoras del destacado actor/productor Alan Tang. El actual estilo artístico y nostálgico de Wong tomó forma durante su aprendizaje con Alan Tang Kwong-Wing, quien invertiría en la primera película dirigida por Wong, As Tears Go By (1988). La carrera de Wong despegó cuando dirigió Days of Being Wild (1990), a pesar de perder millones de dólares invertidos por Alan Tang.

Obra cinematográfica

Dentro de la industria honkonesa ha conseguido alzarse entre un cine mayoritariamente comercial Wong Kar-wai, un director de cine con una visión poética de la vida, un llamado "poeta de la imagen" que- junto con su inseparable director de fotografía, el australiano Christopher Doyle- ha devuelto al panorama cinematográfico una revisión postmoderna y oriental de aquel estilo de cine que ya practicó en los sesenta la nouvelle vague francesa, lo que naturalmente ha hecho que sea encumbrado por Cahiers du Cinéma, una de las revistas de cine más prestigiosas del mundo.

Su primera obra - As Tears go By (1989)- recibió buena acogida de la crítica, si bien se considera todavía visión algo más elaborada del cine de mafias orientales tan popular en el Hong Kong de los ochenta, aunque se admira aún la sensibilidad que ya mostraba en su momento el autor, que supo resistir bien las limitaciones impuestas por los marcos del género. Su segunda obra, Days of Being Wild (1991) comenzó a forjar su estilo sensual de narración, mostrando una visión bellísima del Hong Kong de los sesenta, que recuperaría recientemente en In the Mood for Love (2000) y 2046 (2004). La primera se considera la mejor obra del autor llegando a ser nominada por los Premios BAFTA, Independent Spirit Awards y ganar el premio a mejor filme extranjero en los Premios César y a mejor actor para Tony Leung en el Festival Internacional de Cannes. Sin embargo, estas obras no fueron bien acogidas por el público honkonés, que esperaba encontrar más acción en el film. Otro fracazo del director en la taquilla fue Ashes of Time (1994), una obra de artes marciales con pocas artes marciales y más concentrada en el desarrollo de una historia dramática, de nuevo un fracaso en taquilla. Sin embargo, con Chungking Express (1994), (una película rodada en dos semanas), logro encumbradar su carrera, hasta el director Quentin Tarantino mostro su aceptacion hacia la pelicula y al igual que Cahiers du Cinéma, que dio a conocer al director en occidente. Con Happy Together (1997) logra el éxito en el "Festival Internacional de Cannes" consiguiendo el premio a mejor director.

El estilo de dirección de Wong Kar-wai requiere mucho de los actores. Rodando sin guión, el excelente autor chino obliga al reparto a estar a la altura de los personajes, y los constantes cambios en el argumento hace que las películas tarden bastante en rodarse.

Además de sus largometrajes, Wong Kar-wai tiene dos cortos: un corto promocional para una serie de BMW (The Follow) junto a Clive Owen y Forrest Whitaker, ademas hizo un corto erótico de cincuenta minutos para el proyecto de cortos eróticos llamado Eros. Su obra, "La mano", es considerada por público y crítica como la mejor de las tres que componen la película.

Tras 2046, el director realizó su primera incursión en el cine occidental, trabajando en Estados Unidos en dos películas: My Blueberry Nights con Norah Jones que abrió el Festival de Cannes de 2007 y lo hara el 2010 con The Lady from Shanghai junto a Nicole Kidman. Segun el director, ésta última pelicula solamente toma prestado el título de la conocida película de Orson Welles, y no se trata de un remake como se pensó al principio.

Wong Kar-wai todavía tiene proyectos en China. A pesar de que sus obras norteamericanas le mantienen ocupado, tiene todavía firmado un proyecto -aun sin título- en su país de origen, donde Tony Leung representará la historia del maestro de Bruce Lee.

Filmografía

• My Blueberry Nights (2007)
• Lady from Shangai (2010) - en proceso de producción
• Eros (Segmento "La mano") (2004)
• 2046 (2004)
• Six Days (videoclip de Dj Shadow) (2002)
• The Follow (cortometraje) (2001)
• In the Mood for Love (Deseando amar / Con ánimo de amar) (2000)
• Happy Together (1997)
• Fallen Angels (1995)
• Chungking Express (1994)
• Ashes of Time (1994)
• Days of Being Wild (1991)
• As Tears go By (1988)

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:hola: ¡Hola Marimar1980!
:ola:
Te la mereces.... de nuevo a tus pies :eusa_clap: :marie_bow:!!!

Me ha gustado tanto que he puesto un enlace en mi blog... eso te pasa por hacer una labor tan completa.

Aporto mi granito de arena... En el apartado cine japonés, cómo no!... ya que el cine no sólo son los directores, no?
ACTORES JAPONESES:

Pues bueno, mi preferido y muy conocido actor es: Toshiro Mifune, a mi me recuerda un poco a nuestro Paco Rabal, y me recuerda mucho a Anthony Queen.
Me encanta en la peli "El hombre del carrito", una historia preciosa de un amor platónico.... y :blahblah: lo dejo que ya me puse :icon_petting:.

Y dejo un espacio para que podamos completar la lista entre todos ...
¿cuál es vuestro actor/actriz preferida, japones@ u oriental?

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Ummmm, ¿cual es mi actriz oriental favorita? :meditando: esperate que piense...

¿Zhang Ziyi? ¿A que no se nota? jejejeje :meparto:

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Espera, que también me dejo a Son Yeh Jin, que es una actriz coreana de doramas que actua muy bien y es muy simpatica :mrgreen:


Si alguien tiene la oportunidad de ver la serie "Alone in love" que lo haga :wink:

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:hola: ¡Hola Marimar1980!

:cunao: :cunao: :cunao: :cunao:

no, casi no se nota!!!

:meparto: :meparto:

Y los demás????

:chino:

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Pues como actor de cine admiro mucho a Tony Leung que me gustó mucho en "Deseo, peligro"

y de doramas me gustan mucho: Masaya Kato

y el jovencito Jin Akanishi :mrgreen:

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NotaPublicado: Vie Jul 31, 2009 6:50 pm 
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:quefallo: Ouch! ¿Cómo he podido olvidarme de mi segunda actriz china favorita?
Gong Li

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Está grandiosa en películas como "Memorias de una geisha"

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o "La maldición de la flor dorada"

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